Blacksad. Juanjo Guarnido. Dibujante de Tebeos

Para el programa Gente de Andalucía de Canal Sur Radio, del 1 de mayo de 2021. Como es el "Día del trabajo", traemos un artista profesional, con éxito. 

Blacksad

Juanjo Guarnido es un dibujante de cómics andaluz. Tengo el gusto de ser uno de sus seguidores. 

Me encantan las historietas de Blacksad. Perdonadme por llamarlas historietas pero llevo 50 años leyendo cómics y siempre las he llamado así.

Para explicaros el trabajo de este magnífico dibujante, he pensado en que lo mejor sería extraer una página de un cómic de Blacksad y algunas viñetas para mostrar lo que yo creo que puede ser interesante. 

Pero antes quiero deciros que Juanjo Guarnido, es el dibujante y trabaja, en este cómic, en colaboración con un guionista madrileño Juan Díaz Canales que aporta mucho al éxito de enorme que tiene esta publicación, pues los guiones son buenísimos.

¿Quién es Blacksad?

Es el personaje central de la historia. En toda la historia los personajes son animales antropomórficos, o personas animalizadas, lo que quiere decir que tienen cuerpo y comportamiento humano, pero su rostro es el de un animal. 

Blacksad en particular es un gato negro que se dedica a la investigación privada.

Esta imagen es la misma del inicio de este post, sin colorear. Como puedes ver, Blakcsad es un tipo alto y elegante, que luce traje y gabardina, el ambiente en el que se mueve es un tipo ambiente americano de los años 50, la época del cine negro. Las historias de Blacksad recuerdan al cine negro.

 He escogido esta página, de la Historia titulada "Algún lugar entre las sombras", porque es una de las que más me gusta, y es que ese personaje secundario grueso que creo que es una foca tiene una expresión que me cautiva. La expresión de su rostro y de su gesto.

Aquí tenéis una de las viñetas ampliada.
La expresividad de ese cuerpo y la simplicidad al mismo tiempo es resultado de conocer perfectamente la anatomía humana y sus movimientos, y además mezclado con un rostro de animal. Me impresiona.
El color parece aplicado con acuarela. Hoy día hay aplicaciones informáticas que colorean, por supuesto no lo hace la computadora por si sola sino que el dibujante colorea directamente usando una tablet con un lápiz digital, en vez de usar los tradicionales pinceles. Yo creo que Juanjo Guarnido lo hace a pincel, pero no tengo total seguridad. También es probable una técnica mixta en que se mezclan las dos maneras de hacer. 
La textura de la pincelada es perfecta, y el color el adecuado en cada caso.

Un cómic es como una película, el punto de vista del espectador nos hace tener una sensación visual. En esta imagen estamos mirando la escena agachados y con la cara pegada al borde exterior de la mesa de billar. Es un punto de vista bajo, como el que tendría un niño. Los personajes están perfectamente tratados desde esta perspectiva, le vemos la papada al cocodrilo de la izquierda. La profundidad de la sala está definida por una perspectiva cónica lineal científica y estudiada. (VER NOTA 1)

La perspectiva atmosférica también interviene pues los objetos en primer plano son de colores intensos; colores que se van perdiendo conforme nos acercamos al fondo. En un dibujo tan pequeño hay mucha sabiduría, un trabajo culto.

En las viñetas que se refleja el movimiento, este está muy conseguido, es muy real. Utiliza muy bien las líneas cinéticas que son un recurso puro del lenguaje del cómic y las onomatopeyas como ese THAMM! que vemos en esta viñeta que tiene un tipo de letra creado en exclusiva para esta viñeta, con el tamaño y la forma adecuada. Este tipo de letra forma parte del dibujo, como las imágenes de los personajes. El plano del suelo está un poco inclinado y el punto de vista de nuevo es muy bajo para conseguir mayor dinamismo. 

En esta página utiliza un recurso que yo no había visto en otro dibujante que es un color tímbrico rojo para definir unas viñetas que son un salto atrás en el tiempo ("Flash Back"). 
Los bocadillos tienen fondo blanco mientras que las cartelas tienen cierto color que las integra con el fondo.
También utiliza la sinécdoque (la parte por el todo). Como en la viñeta superior en que está el personaje de Blacksad, pero no se le ve.

He extraído este detalle de la viñeta siguiente para que se pueda ver bien el trabajo. 

El paisaje está muy estudiado y trabajado. He borrado lo que pone en las cartelas para que no se sepa el final de la historieta, lo que ahora llaman hacer spoiler. En este dibujo utiliza un punto de vista cenital. Está muy trabajado desde el punto de vista del dibujo, y al mismo tiempo creo que muy bien documentado.

Este paisaje con figuras juega con el naturalismo de la luz y las sombras como lo haría un pintor impresionista.

Y este, me lleva a la posibilidad del cambio de formato de la imagen que tiene el cómic. Esta posibilidad no la tiene el cine. En cine, o en vídeo, nunca verás una pantalla tan alta y estrecha como esta. La viñeta es magnífica.

La edición de Blacksad que tengo en mi casa es de la editorial Norma y contiene todas las aventuras de Blacksad que se han editado, o al menos eso creo yo. Y al final hay algunos dibujos preparatorios y bocetos de páginas. He escogido algunos para ponerlos aquí pues me parece muy interesante que se sepa cómo trabaja este artista. 

Utiliza lápices de colores para corregir, en este caso parece haber realizado el boceto con lápiz rojo y después ha retocado con azul. Este tipo de trabajo facilita mucho el poder distinguir una parte de otra pues al escanearlo se le puede eliminar solo un color y quedarse con aquella parte del dibujo que se prefiere.

Hace un boceto de cada página para ver cómo va a repartir las imágenes dentro de ella.

Este es el estudio de la cabeza de un personaje de otra de las historias de Blacksad, de la numero dos que se titula Artic-Nation y curiosamente va de racismo. El guion es fantástico y los dibujos también. En estos bocetos puedes ver como Guarnido ha estudiado los movimientos y la expresividad de este personaje, crear algo así no tiene nada de sencillo.

En este boceto se ve como va a colocar todas las imágenes en el cómic. Hacer un trabajo así es muy difícil y lo digo por experiencia, pues yo tengo un cómic publicado del que me siento muy orgulloso.

Y por último en este dibujo se ve el tratamiento de la perspectiva, de la que vengo hablando en todo este post.

Biografía de Juanjo Guarnido

Juanjo Guarnido es de Salobreña, Granada, 1967. Para mi que soy medio motrileño es un orgullo que un vecino de la ciudad de la que tantas veces me habla mi madre como un paraíso sea uno de los mejores dibujantes de cómic del mundo. De su obra conozco, “Blacksad” que existe desde el año 2000 yes una obra maestra que se ha traducido a 20 idiomas. Y he comprado a principios de abril "El buscón en las indias".

Pongo aquí un par de imágenes de páginas que me parecen muy buenas.

Esta página muda con escenas de paisajes. No hay que decir nada. 

Tanto el principio como el final del cómic representan las situación del palacio real en el momento en que Velázquez pintaba las Meninas. Guarnido conoce profundamente la historia de este cuadro, los personajes, el lugar. Yo soy un apasionado de este cuadro y me ha encantado ver lo que ha hecho.

 Guarnido es también dibujante de dibujos animados, ha trabajado en estudios españoles, antes de dar el salto a la Disney, donde estuvo durante cuatro años. Vive y trabaja en París. 

Nota 1. Hay muchos artistas que reniegan del Dibujo técnico, y está en la base, del conocimiento necesario para dibujar. Son normas que hay que saber, para después poder romperlas. Si las rompes sin saber lo que estás haciendo tienes un una garantía de fracaso del 99%. 

Bodegón con cardo y zanahorias. Juan Sánchez Cotán. Museo de BBAA de Granada.

Óleo sobre lienzo.62 x 82 cm. Pintado entre 1603 y 1627.

    En este cuadro se ven cuatro zanahorias, dos de ellas bastante ennegrecidas y un cardo, apoyados sobre el quicio de una especie de ventanuco que del otro lado solo tiene oscuridad. La luz viene de la izquierda y es muy potente, con un contraste muy grande que deja unas sombras arrojadas muy oscuras.

    Realmente si lo pensamos no es bonito, porque la pintura como la escultura, la música, la literatura o el cine no solo sirve para representar la belleza, también sirve para expresar el miedo, los acontecimientos, el amor, para reivindicar o para demostrar el virtuosismo de su autor. Es como una canción heavy que habla de algún asunto chungo en la que el cantante da las notas más altas que se puedan imaginar y el guitarrista hace un solo a toda velocidad, bonito no se puede decir que sea, pero nos gusta porque admiramos su virtuosismo. Sanchez Cotán es un pintor virtuoso que hace en este caso un cuadro con unos elementos sencillos y nos deja maravillados porque parece una fotografía.

QUIÉN ERA SANCHEZ COTÁN

    Fue un pintor nacido en Orgaz, Toledo, 1560 que en 1603 (tenía 43 años) firmó su testamento con intención de ingresar como religioso en la Cartuja de Granada, y una vez superado el examen de limpieza de sangre, casi un año después, ingresó en la cartuja granadina el 8 de septiembre de 1604. Allí pasó el resto de sus días hasta que falleció en 1627. En ese tiempo no dejó de pintar, haciéndolo ya para la propia orden, y dejando muchas obras de carácter religioso, de mucha calidad en esta Cartuja. Algunas de ellas están en el Museo de BBAA de Granada, que está en el Palacio de Carlos I, aledaño a la Alhambra.

Trampantojo de San Pedro y San Pablo. Cartuja de Granada. Las columnas están pintadas en la pared.

Santa Cena, del Museo de BBAA de Granada. Palacio de Carlos V.

Es famoso por sus bodegones, repitió en varios de ellos el famoso cardo y un melón que pintó en varios cuadros, todos siempre apoyados en el ventanuco exactamente iguales. 

Museo del Prado. Bodegón con cardo, francolín, uvas y lirios 1628. Óleo sobre lienzo, 71 x 92 cm

Bodegón de caza, hortalizas y frutas. Museo del Prado.

Bodegón del Museo de San Diego (California), firmado «Ju Sánchez Cotán F.» (60 x 81 cm).

Bodegón, Chicago, Art Institute (68 x 88 cm).

¿Y PORQUÉ PINTA ESE VENTANUCO?

Los autores en general se refieren a este ventanuco como una fresquera. La fresquera es un sistema de refrigeración que habías en las casas antes de que se inventasen los frigoríficos.  Era una caja insertada en las fachadas, normalmente al norte para evitar el sol. Sus paredes eran gruesas para que no pasara el calor al interior y se solían situar en la parte inferior de una ventana, tenían una protección inclinada para que discurriera la lluvia en su parte superior.

Esta ventana aparece en cuadros de muchos artistas, por ejemplo en el mismo Museo de Granada está el bodegón con cajita de dulces de Juan Banderamen, en el que también se ve el quicio de la ventana. Y en este cuadro no hay alimentos frescos. 

 Bodegón con cajita de dulces de Juan Banderamen

Pero es más, también está en la Cena de Emaús o la Mulata, y en el Cristo en casa de Marta y María de Velázquez, en los que se ven en un lateral del cuadro. 

Y en algunos otros cuadros en los que coincide que están todos pintados de manera virtuosa, parecen fotografías.

Esta ventana es el objetivo de una cámara.

    Pensemos en una cámara fotográfica analógica, de las que tienen carrete. Tiene un objetivo que es un pequeño agujero por donde entra la luz, y dentro hay un espacio muy oscuro en el que se sitúa la película, tú le das al botoncito y la cámara abre una cortinilla negra y dejaba pasar la luz unas décimas de segundo. 

¿Pero porqué se queda reflejado lo que tiene delante en el negativo, o en la foto?, porque lo que entra no es luz blanca pura, no es un rayo de sol, sino que esa luz que entra tiene la forma y el color de lo que estamos fotografiando.

 Se trata de un efecto natural que se llama cámara oscura.

    En muchas ciudades han aprovechado una antigua torre para convertirla en una cámara oscura como atracción para visitantes. Es como si te metieras dentro de una cámara de fotos y vieras lo que pasa. En Cádiz hay una en la Torre Tavira, en Sevilla en la Torre de los Perdigones, en Jerez en la torre de Palacio de Villavicencio, En Écija en la Plaza de España y en Jaén la Cámara Oscura de Capuchinos en una de las Torres del auditorio de la Alameda.  Puedes ver este vídeo que explica como funciona la Cámara Oscura de la Torre Tavira de Cádiz.

    Es un efecto natural, en un espacio oscuro, entra la luz por un agujero y lo que está iluminado del otro lado del agujero se refleja en el interior del espacio oscuro, y se refleja al revés, lo de arriba abajo y lo de derecha a izquierda. Y utilizando convenientemente lentes y espejos se le puede dar la vuelta a la imagen y enfocarla.

La cámara oscura también se puede utilizar para copiar o repetir un cuadro, igual que se copia una figura, y quizá de ahí la repetición del melón, o del cardo que hace Sánchez Cotán. Es normal que un pintor profesional repita un cuadro, solo necesita dos clientes. Lo podemos ver por ejemplo en los retratos de la Madre Jerónima de la Fuente, de Velázquez, de los que he visto tres ejemplares iguales pero distintos:

Los pintores conocen el uso de este efecto desde el Renacimiento. 

Leonardo lo describe en sus apuntes.  

    Pues este ventanuco que pinta Sánchez Cotán es el objetivo por donde entra la luz. Y el pintor se sitúa en el interior de la cámara. 

    Si lo pensamos cámara significa habitación. ¿Dónde está la princesa? En su cámara , la virgen en las iglesias se sitúa en el camerín, los barcos tienen camarotes y los teatros camerinos.

 LOS PINTORES HAN USADO LA CÁMARA DESDE SIEMPRE

    Los virtuosos sí. Lo puso de moda Caravaggio, el famoso primer pintor tenebrista. Por eso el fondo de los cuadros es negro, y la iluminación muy potente y desde un lateral para que no se ilumine el fondo porque la cámara tiene que estar en total oscuridad y así se consigue distinguir mejor el fondo de la forma. A partir de Caravaggio los usaron todos los pintores famosos que hoy día conocemos. 

Caravaggio. Judith y Holofernes.

    En España uno de los primeros que la usa es el Greco que precisamente vivía en Toledo, de donde era Sánchez Cotán.

    Este era un secreto profesional que algunos pintores no conocían y por tanto no lo usaban. 

    Y por otro lado dependiendo de las lentes y espejos de que dispusiera el pintor podía conseguir un efecto de enfoque o de agrandado de la imagen. Cuando Velázquez murió entre sus objetos personales había varias lentes. 

    Las lentes se comenzaron a fabricar con calidad a partir del siglo XVI, con la aparición de un nuevo tipo de cristal que se fabricaba en Venecia. Anteriormente a este siglo el cristal era muy opaco y difícil de pulir. 

    Anton van Leeuwenhoek (24 de octubre de 1632, Países Bajos-26 de agosto de 1723), conocido como el «padre de la microbiología, era amigo de Veermer, y dedicó su vida a la creación de lentes y objetos ópticos, fue el inventor del microscopio. Este hombre desarrolló mucho la fabricación de las lentes. Y si hablamos de Veermer, el gran pintor holandés, su obra se basa en el uso de la cámara, de hecho es el primero que pinta en sus cuadros un plano desenfocado, lo que obligatoriamente debe haber sido hecho a través del uso de una cámara, pues el ojo humano no es capaz de desenfocar lo que mira.

La lechera de Jan Veermer. El primer plano en el que está el canasto, está desenfocado como lo desenfocaría una cámara de fotos. Puedes tocar en la imagen y agrandarla.

El Astrónomo de Jan Veermer, probable retrato de Anton van Leeuwenhoek.

¿ENTONCES PINTAN HACIENDO TRAMPA?

    Yo no lo veo así, porque cualquier profesional utiliza las máquinas que tenga a su alcance, y si las utiliza no está haciendo trampas, al contrario, si no las utiliza es porque no conoce su manejo o su existencia, y está torpeando, porque te dediques a lo que te dediques tienes que conocer todo lo que hay en torno a tu profesión. No es más que un recurso, una máquina.

    Hay otros pintores que no la usan y no por ello han dejado de tener éxito como Picasso, Van Gohg o Fryda Khalo. Pero claro sus pinturas no son totalmente realistas. Para mi que estos son dos lenguajes distintos, uno es el reflejo de la realidad que percibimos y otro es la distorsión de lo que percibimos.

    Así que todos aquellos que quieran aprender a dibujar o pintar de manera realista que no tengan dudas en usar la fotografía como recurso, y calcar el dibujo. Es más fácil si lo calcas, y te va a quedar mejor.

¿ESTO LE QUITA VALOR A LA PINTURA?

    No, porque una cosa es calcar el principio del cuadro y otra es terminarlo como lo hacía Sánchez Cotán, Velázquez, Leonardo, Caravaggio, Remdbrant, Rubens, Canaletto Veermer, etcétera etcétera. Y al público le va a dar lo mismo porque no te van a ver como lo haces, para ellos lo que sirve es el resultado final.

Hace ya unos 20 años que conozco esta realidad, desde la publicación del libro "El Conocimiento Secreto" de David Hockney. Este artista hizo la comprobación de esta realidad y la demostró. Estas son unas imágenes sacadas de su libro demuestran cómo lo hizo.

Bibliografía: El conocimiento secreto. David Hockney. Barcelona. Editorial Destino. 2001. 296 Pág

Techo estrellado del Salón de la Torre de Comares. La Alhambra.

Para el programa Gente de Andalucía de Canal Sur Radio del sábado 29 de agosto de 2020.

A través de aquel arco oscuro que ves en la foto se entra en la torre.

     Cuando uno entra en esta estancia se queda patidifuso. Es impresionante, es la sala más majestuosa del palacio de la Alhambra. Alli se encontraba el trono y se realizaban las recepciones oficiales. Los muros están ricamente ornamentados con inscripciones decorativas sobre el yeso (además de conchas, flores y estrellas)que aluden al Corán, al emir, e incluso podemos ver poemas… Todo está recubierto con zócalos alicatados, yeserías , paños, mocárabes, celosías de madera y vidrieras de colores llamadas ‘cumarias’, de ahí el nombre de la torre.

Se construyó durante el reinado de Yusuf I , entre1333-1354.(1)

    Podría estar días hablando de este espacio, me encanta y siempre me ha encantado. Pero aquí solo me voy a ocupar del techo artesonado. 

    Artesonado es el techo, armadura o bóveda con artesones (de madera, piedra u otros materiales) y con forma de artesa invertida. Artesón es el elemento constructivo cóncavo, poligonal, moldurado y con adornos, que dispuesto en serie constituye el artesonado. Proviene de la palabra artesa. 

Enrique Nuere, es un erudito en lo concerniente a la construcción con madera, en la mano tiene un modelo 3D del techo del que estamos hablando, está del revés y se puede observar perfectamente su forma de artesa. Esta imagen y algunas otras las he sacado de un vídeo que aparece en la bibliografía. 

Esto es una artesa.

    El techo, de forma cúbica, está revestido de madera de cedro con incrustaciones de maderas diferentes y policromado con tonos dorados y brillantes. Hay en él 105 formas de 7 tipos distintos. El centro de cada una de ellas es una estrella.

    La estrella central es una pequeña cúpula cuadrada (escabel) que sobresale por encima de las demás en altura, y tiene la misma forma que las doce más grandes que la rodean, o sea la número 4 en el gráfico anterior. Estas formas tienen 105 piezas de madera (zafates), lo que coincide con el número de estrellas total del techo. 

    Todo tiene un significado relacionado con el Corán: 

    En el tablero central hay siete tipos de estrellas de ocho y dieciséis puntas (ciento cinco en total) que representan los Siete Cielos del Paraíso musulmán.

    En el octavo cielo (la pequeña cúpula) representa el trono de Dios.

    Las cuatro estrellas grandes que se forman en los ángulos de los cuatro planos del techo, representan al árbol de la vida que hunde sus raíces en el cielo. 

    Un zafate es una de las piezas de madera que conforman la figura geométrica que se desarrolla alrededor de una de las estrellas o de todas las estrellas.

    Este techo fue restaurado en 1959 y en esos trabajos llevados a cabo para prevenir efectos de la humedad se produjo un interesante descubrimiento.  Uno de los dieciséis zafates (tablillas) de madera que forman una de las estrellas destacaba entre las demás por lo acabado de su forma y porque no estaba bien colocada. Cuando la desclavaron apareció en el reverso de la misma una breve inscripción árabe.

    Esta es la tablilla que se encontró, vista por ambos lados. El lado que tiene los textos quedaba oculto, el lado que tiene pintura y un diseño floral quedaba a la vista. Cómo veis estaba sujeto con 6 clavos.

 ¿Y qué pone ahí?

  Después de traducir al español, lo que fue bastante difícil porque además no estaba escrito en árabe clásico sino que estaba en el dialecto vulgar que se hablaba entre los pobladores del Reino de Granada, dice:

 1ª zafates:     16     rojos                                                 16 

2º:                 y 1     blanco                                                 1 

3ª zafates:     los de relieve son verdes claros                   ?

4ª                   y rojos 10                                                  10

5ª                   y blancos de nuez 22                                 22 

6ª                  y de cierre verdes 20                                  20 

7ª                   y rojos 18.                                                 18

    La persona que lo escribió dejó constancia de los colores con que había que pintar los distintos zafates. Y como ya he dicho antes, la figura central, que es la figura tipo, tiene 105 y en la inscripción de la tablilla solo aparecen 87, pero no concreta el número de zafates verde claro. La explicación es porque al haber estrellas de distintos tipos y con distinta cantidad de piezas, se puede jugar con los zafates de color verde claro.

Los colores tienen significado:

• El Blanco significa la luz que viene directamente de Dios, bajo la cumbre del trono celeste, simbolizando el reflejo de la luz divina en perpetua emanación.
• El blanco de nuez para los centros de las estrellas del segundo nivel. Los centros de las estrellas secundarias representan la morada de los Bienaventurados, (los santos) por lo que no son tan luminosas y radiantes.
• Los zafates del resto de las estrellas están pintados con tres tonalidades de rojo y otras tantas tonalidades de verde, interpretando las enseñanzas de los Sabios Teósofos acerca de la naturaleza y forma del Paraíso Celestial. 

O sea que la tablilla con los escritos viene a decir que hay estrellas que simbolizan la luz divina pintadas de blanco con 16 zafates rojos, y el resto de color blanco de nuez representan a los Bienaventurados. (Ver bibliografía 1)

    Como podéis ver el aspecto que da es de un firmamento. Los colores son simbólicos pero están estratégicamente elegidos para dar la verdadera sensación de un cielo, como lo hubiera hecho un pintor de paisajes.

Este montaje lo he hecho partiendo de una foto, la cúpula es muy difícil de fotografiar bien, porque está muy alta y tampoco se puede uno colocar justamente debajo. Pero creo que os podéis hacer una idea de cómo es. 

El artesonado es un arte español.

Viendo este maravilloso techo y otros que lo imitan podemos pensar que se trata de una artesanía propia del Arte Islámico, pero realmente los Nazaríes aprendieron este arte de los techos de tradición visigoda. 

Enrique Nuere, estudió este tratado del carpintero y alarife sevillano Diego López de Arenas, en que da las claves de la construcción de un artesonado. Esta es una segunda edición, la primera es del siglo XVII.

    Lo explica en un vídeo maravilloso en youtube, del que yo me he permitido extraer algunas imágenes, como la foto que he puesto más arriba en la que está con el modelo del techo en la mano y esta siguiente en que se ve un artesonado por arriba, está todo clavado con clavos de madera, para que las dilataciones no lo rompan pues el metal (si estuviera clavado con clavos metálicos) contrae y dilata de distinta forma que la madera.

¿Cómo se hace el diseño de lacería?

    El diseño de una forma decorativa que se hace en el techo del que estamos hablando, consiste en dibujar una cinta doble alrededor de una estrella, la prolongación de sus lados produce esas formas tan hermosas que estamos acostumbrados a ver en azulejos.  Por eso se llaman diseño de lacería.

    Nadie se ha preocupado de saber como se hace un techo de lacería desde que dejaron de construirse en el siglo XVII. Y la Historia del Arte no se ha ocupado apenas de la artesanía.

    Y una de las maravillas que me ha regalado el estudio de este techo, es el uso de distintos cartabones. Yo llevo 32 años dando clases de dibujo técnico y no conocía la existencia de estos tres cartabones que se utilizaban para la creación de las lacerías, son: el cartabón de armadura, el albanécar y el coz de limas, 

que son los tres que se han usado para crear el techo del que hablo. 

    Explicación  sobre un arco capaz de la construcción de estos cartabones, en una imagen del libro de López de Arenas.

    Y a partir de aquí me di cuenta (y después lo he corroborado en un texto: Bibliografía 2) que realmente toda esta lacería se basa en la creación por parte del carpintero del cartabón adecuado para cada construcción. O sea que dedicarse a la carpintería de artesonado era una profesión de mucho conocimiento matemático. 

    En la radio no podré contar tantas cosas, pero la investigación me ha llevado aquí y me parece interesante. 

    Yo pinté este salón en un cuadro en 2015 y transmite la sensación que tiene la gente ante este techo.

También lo reprodujeron mis alumnos en el Museo de los Pasillos de mi Instituto de Villanueva del Ariscal

BIBLIOGRAFÍA:

l  Un Asceta En La Corte Nazarí. Los Siete Misterios De Los Sentidos, La Imaginación Y La Creatividad. J. M. PUERTA VÍLCHEZ. Texto en pdf que puedes descargar gratuitamente.

2.Actas del 7º Congreso de Hª de la Construcción Santiago Octubre 2011Valbuena de Duero. Una armadura oculta durante siglos. Violeta Ferrero Cabezas, Elena García Alías

3. vídeo https://www.youtube.com/watch?v=cGctigAe2U4 Enrique Nuere: Premio Rafael Manzano 2016

Nota.

1. Períodos de construcción de la Alhambra: 
1. Muhámmad I -1232-1273: Durante este período se realiza la Acequia Real, la Alcazaba y el Recinto Fortificado.
2. Muhámmad II – 1273-1302: El Generalife.
3. Muhámmad III -1303-1309: el Partal, la Torre de las Damas y la Mezquita Real.
4. Ismail I- 1314-1325: se reforma el Generalife y se construye el Mexuar.
5. Yusuf I – 1333-1354: durante su reinado se realiza la mayor ampliación de la Alhambra, constaruyéndose la Torre de Cadí y la de la Cautiva, el Torreón de Comares, la Puerta de la Justicia, la Puerta de las Armas. Se reformó el baño real y se realizó el Oratorio del Partal.
6. Muhámmad V – 1354-1359 y 1362-1391: se levantó la fachada de la Puerta del Vino y se construyó el Palacio de Comares.
7. Muhámmad VII – 1392-1408: la Torre de las Infantas.