El artista: Ferrán Adriá.

Recientemente he adquirido el libro "Comida para pensar, pensar sobre el comer" de Ferrán Adriá. Este cocinero catalán ha llamado mi atención por haber llevado la Creatividad al mundo en forma de comida. 

A mi me interesa la creatividad mucho, llevo años enseñando creatividad a mis alumnos adolescentes, y a profesores en los cursos que he impartido en distintos centros de formación. Yo sé de su utilidad en todos los campos de la vida. 

La cocina me interesa menos pero parece que a la mayoría de las personas les pasa lo contrario, es lógico pues a todo el mundo le gusta comer bien, y la Creatividad se entiende, por desconocimiento, como algo superfluo.

El señor Adriá, al que no tengo el gusto de conocer, se ha convertido en un Picasso de los cocineros. Me encanta lo que hace y me gustaría comer alguno de sus menús. ¡Cuando la niebla abra!

¿Cómo ha llegado Ferrán a esta actitud creativa?  La vida lo ha llevado.
El famoso Restaurante el Bulli está en una cala de difícil acceso, es un lugar apartado, expuesto al Levante, al que durante años, no iba nadie en invierno. Ferrán heredó el puesto de jefe de cocina y se dedicó junto con sus compañeros a repetir esquemas de sus predecesores (geniales por cierto), después anduvo copiando formas de un par de maravillosos cocineros franceses y cargado con un bagaje de muchos años de experiencia, sine qua non, creando por último sus propias y maravillosas formas nuevas, abriendo muchas puertas. Esos inviernos bestiales con el restaurante vacío en donde él y sus compañeros trabajaban y moraban, daban pie a la investigación, y Ferrán no perdió el tiempo, lectura y creación. 

En su imaginario no solo hay cocineros, estuvo un tiempo conviviendo con un escultor, seguramente haciendo escultura, y al poco tiempo hizo la propuesta inicial, la reflexión sobre los procesos para llevar la creatividad a la cocina. 

Yo creo que le debe bastante al pensamiento lateral de Edward De Bono, pero no lo nombra, el título "Comida para pensar...", recuerda a "Seis sombreros para pensar" de este autor.

Todo lo que ha hecho ha sido filmado y escrito en libros. Ese es su éxito, la expansión, la comunicación en este mundo global.

No creo que sea un gran empresario, si te paras a ver su historia ha tenido muchos más años de penurias que de gloria y un compañero de aventuras llamado Juli Soler que se ha dedicado a hacer empresa.

Algunos de los procesos creativos que ha usado:

• Deconstrucción, dividir la unidad en partes y transformarlas por separado en otro objeto. Esto es el Cubismo Analítico de Picasso. Ferrán hace por ejemplo una versión del Melocotón Melba y crea un hueso de melocotón comestible y con sabor a melocotón; ¿interesante verdad?

• Tropo. En el que se sustituye un material por otro, como el trabajo de Chillida al final de su carrera en que le da a la piedra una forma propia de hierros trabajados por un herrero. Ferrán ha hecho un aceite de jamón a base de derretir el tocino del jamón, ese aceite sabe a jamón, y sirve por ejemplo para hacer mayonesa que sabe a jamón.  

 

• Inversión. Consiste en hacer las cosas al revés, Adriá hace un gazpacho de bogavante, en el que te sirven primero la guarnición emplatada en la cocina, y aparenta ser una ensalada, luego viene el camarero y vierte sobre él la sopa de gazpacho cuando lo normal sería lo contrario. La escultora marina Vargas ha hecho esta escultura que es claramente una inversión, se trata de una Piedad al revés.

Puedo reconocer muchos otros procesos creativos (Técnicas de Creatividad) en su obra, pero se haría interminable. Le voy a dedicar otra entrada a esto de la cocina, porque está de moda...

Uno de mis traumas infantiles es el de tenernos que ir a jugar a otro lado por no soportar el olor y el calor que salía del extractor de la ventana trasera del Bar X, en mi barrio natal de Triana, donde hasta las telarañas tenían grasa y las personas del otro lado del cristal trabajaban a 50 grados. Ahora los niños y niñas quieren ser cocineros, y hasta se hacen concursos en televisión. ¿Cómo es posible? ¿Dónde vamos a llegar en este mundo tan extraño? Nos está volviendo locos...

Copiar está bien. ¿Cómo le explico yo esto a mis alumnos? Con un poco de Fra Angélico on the rocks.

Estoy pintando con mis alumnos en el Instituto varios cuadros para colgar en los pasillos. Uno de ellos es La Anunciación de Alejo Fernández.

Al tener esta obra por delante tanto tiempo, y en algún momento de paz, pensé cuanto se parecía este arcángel al de Leonardo. 
Extraña cosa es un momento de paz con 30 alumnos de entre 16 y 18 años al mismo tiempo en una clase pequeña, pero cuando se ponen a pintar llega la paz. Otra cosa sería que ordenasen aquello y lo dejasen limpio, porque una vez que dejan de pintar vuelven a su ser, gracias a Dios. 
Mirando bien el cuadro, esa construcción arquitectónica, esos símbolos luminosos, las palabras del mensaje escritas en la pintura, y la presencia del propio Dios Padre arriba a la izquierda, me llevaban a Fra Angélico.  Esta Anunciación está datada en 1508 y la de Fra Angélico debía ser de finales del S. XV. 

Anunciación de Alejo Fernández. Museo de BBAA de Sevilla.

Y busqué la anunciación de Fra Angélico y me encontré con:

Esta está en la iglesia de los jesuítas de Crotona (Italia). En el lado izquierdo se ve la expulsión de Adán y Eva del Paraiso. Por lo que este cuadro es un relato temporal. Las palabras están escritas.

Esta está en Santa María de la Gracia de Milán. También se ven Adán y Eva. Esta está datada alredeor de 1430.

Esta es la del Museo del Prado. Es muy bonita por la intensidad de esos azules. De nuevo vemos a Adán y Eva.  Están los rayos lumínicos pero no está la presencia de Dios padre.

Esta es un fresco del monasterio de San Marco en Florencia. Aqui no hay rayos, ni expulsión de Adán y Eva, ni presencia de Dios padre, es muy austero.

Esta es muy diferente. Está en el Museo de San Marco de Florencia. Es curiosa sobre todo por el punto arco iris que tienen las alas, y el dedo advirtiendo algo, más que anunciar parece que está riñendo. Es un temple, quizá por eso la pintura tiene ese punto reseco. La palabra está escrita en una especie de rollo de pergamino que se despliega arriba y abajo.

Este es otro que Fra Angélico  pintó al fresco en una de las celdas del convento en el que vivía. San Marcos de Florencia.

Seguramente yo había visto todos estos cuadros alguna vez, pero no era consciente de que fueran tantos y tan distintos. Simplemente pensaba: "la Anunciación la pintó Fra Angélico". Sin pensar que la pintó muchas veces.
Fra Angélico es muy moderno para su época porque utiliza la perspectiva cónica central, lo que es más avanzado que la perspectiva caballera usada por sus coetáneos. Era un estudioso, conocedor d elas matemáticas.   Esos espacios que pinta al mismo tiempo crean la sensación de profundidad y le dan un punto de vista humano al espectador. Fra Angélico fue un gran creador de un estilo. Puede parecer obvio que Alejo Fernández  (que era alemán de nacimiento aunque pasó toda su vida profesional aquí en Andalucía) lo imitó.

Pero Fra Angélico, el pintor de las anunciaciones, ¿de quién copió?

Es un temple sobre tabla de Simone Martini, aproximadamente de 1333.  Hoy día está en la Galería Uffizzi, Florencia pero se hizo para la Catedral de Siena. 

Es muy parecido en el vuelo de la capa del arcángel, y en el diseño multicolor de las plumas de las alas, y en la pose de la Virgen. ¿Los arcos góticos no recuerdan a los arcos pintados por Fra Angélico? Y si me pregunto si Simone Martini fue el primero, ¿encontraré otro anterior? No lo voy a buscar.

Por muchos caminos didácticos que los profesores sigan, al final solo hay dos maneras de aprender: copiando y equivocándose. De cualquiera de las dos maneras se pueden encontrar nuevos caminos, los artistas más importantes son aquellos que crean los nuevos caminos; como los tres de los que hemos hablado: Simone Martini, Fra Angéico y Leonardo.

Anunciación de Leonardo.

Leonardo también copió, está claro.  Aquí está el arcángel con las alas polícromas, y usa la perspectiva cónica central, pero fijarse en el paisaje de fondo, ha pintado el aire, la bruma. Esto es totalmente novedoso.

¿Y a Alejo Fernández dónde lo ubicamos? Pues los historiadores dicen, que él fue un seguidor-alumno de la obra de Petrus Crhistus, al que tengo entendido que también llaman el "Maestro de Francfurt". Del que hay algunas obras preciosas en el Museo del Prado, y que pintó esta anunciación.

Anunciación de Petrus Crhistus.

Petrus Crhistus era de Bruselas por lo que seguro que siguió la estela de su paisano Van Der Weyden. 

Anunciación del Museo de Louvre de Roger Van der Weyden de 1440 aproximadamente. 

 Este si que pintaba maravillosamente, y si observas el fondo también pinta la bruma.  y es de 1440 mientras que el Leonardo es de 1475.  ¿También Leonardo copió esto? 

Bueno hay que parar, esta historia no acaba nunca...

Esta Anunciación la pintó Fray Bartolomé de Volterra. Está en la catedral de Volterra, Italia. Pintor y fraile dominico, seguidor de Savonarola. Se ve la apertura de la puerta hacia el final la presencia de Dios padre, los tonos azules, la perspectiva atmosférica de Leonardo. Sin duda fue un maravilloso pintor.Avanza formas muy manieristas. Este pintor influyó mucho en los pintores florentinos, aunque se a muy desconocido. Pintó un Juicio Final ( http://it.wikipedia.org/wiki/File:Fra_bartolomeo_06_Last_Judgment.jpg )  que sirvió de base a Miguel Ángel en el Juicio Final de la capilla Sixtina.

Anunciación de Van Eyck. Van Eyck fue el verdadero maestro de Petrus Crhistus. Las figuras que pinta están encerradas e un espacio muy pequeño, y no asoman sus pies. Parecen ser figuras de cera por lo monocromático. Deben estar literalmente copiadas de un grabado. El fondo presenta una ciudad con edificios de varias plantas, y las palabras del mensaje de Dios están escritas en el lienzo. La virgen estaba leyendo cuando todo sucedió.   

Bartolomé de Eyck. De la iglesia de la Magdalena de Aix en Provence. Este pintor muy desconocido, se piensa que fue un hermano pequeño de la saga de los Van Eyck pintó esta preciosa Anunciación, y mezcla los estilos, usa la perspectiva cónica frontal poniendo el punto de fuga fuera de nuestra vista y representa un edificio gótico, el ángel  está debajo de un arco lobulado y tiene alas de pájaro, no se le ven los pies, es Dios padre el que expele un hálito lumínico. 

La virgen que estaba leyendo tranquila, solo oyó el flac flac de las alas al replegarse después de frenar el veloz descenso. Dio un respingo. De pronto sin hacer ruido un ángel enorme con forma de hermoso muchacho se había posado a su lado. Seguro que le dijo: ¡tranquila María!,  al ver en ella el ademán de haberse asustado. El arcángel  se acaba de posar como un pájaro. Sandro lo vio en su mente, en un sueño, o Dios sabe.

 Es el que más me gusta. Es de Sandro Boticelli, alredeor de 1490, Museo de Glasgow.

Esta es de Lorenzo Di Credi, un colega de Leonardo, que trabajaba con él en el taller del Verroccio. Es igualita que la de Leonardo, y de la misma fecha. En fin uno ya no sabe a qué atenerse. En un taller de arte en Florencia en esa época, todo lo que se producía era del dueño, y se repetían las obras cuantas veces se quisiera. Lorenzo Di Credi acabó siendo el dueño del taller de Verroccio cuando este murió, podía pintar esto cada vez que quisiera pues en realidad era de su propiedad intelectual.  

Anunciación de Lorenzo Di Credi, de la galería de los Ufizzi, que se expuso en la exposición sobre la sombra que se hizo en el Museo Thyssen.

Anunciación de las Cantigas de Santa María del Monasterio del escorial. También están los arcos y el ademán de María. Es el más antiguo.

Entonces, si todo el mundo copia de todo el mundo, ¿quién es el verdadero creativo? ¿De quien tengo que copiar?. ¿Cómo le explico yo esto a mis alumnos? 

Janet Echelman. Pura creatividad

Siempre he pensado que le damos demasiada importancia al Arte, acercándolo a la filosofía y a ideas muy elevadas para el pueblo llano. También los artistas se prestan a parecer lo que no son, se visten de manera extravagante y parecen importantes aunque muchas veces no saben ni lo que están haciendo. Esta mujer es una escultora maravillosa y contemporánea, que es madre y que tiene un aspecto de lo más normal. Este vídeo cuenta como el material la mediatizó para realizar su obra. El Arte parte de la tierra y de experiencia humana. A partir de ahí, inteligencia, estudio y buen gusto. Ella misma explica su historia en el vídeo, merece la pena dedicarle diez minutos para ver verdadero arte contemporáneo.

Judith Scott era una escultora, de 62 años.

Judith Scott era una escultora, de 62 y años.

A los cuarenta y cinco años aproximadamente entró en  el "Creative Growth Art Center" de Oakland, California. Durante unos dos años Judith pasaba el día allí sin hacer prácticamente nada, ojeando siempre unas revistas de moda y muebles que llevaba consigo a todas partes. Entonces la artista Sylvia Seventy fue contratada por esta escuela como profesora e hicieron amistad; de esa amistad surgió su interés por la escultura, y a modo de terapia comenzó a hacer trabajos artísticos. La profesora cesó en su cargo y la artista Judith Scott conmenzó su andadura. Libre e independiente.

El Creative Growth Art Center es una institución artística, no es un centro de terapia. ¡Genial!

Ella no hablaba con nadie para percibir impresiones, ni leía libros de historia del arte, por lo que su obra desde el principio fue una creación totalmente personal.

Recogía cosas que envolvía con hilos de lana, cables y cualquier otra cosa que sirviera para amarrar. Los objetos quedan dentro encerrados como las presas de una araña.

John MacGregor, psicólogo e historiador de arte escribió en 1999 "Metamorphosis: The fiber Art of Judith Scott", y ahí empezó su carrera hacia la fama, que no hacia el éxito, pues el éxito ya lo había alcanzado con solo hacer lo que hacía. 

Judith sabía, aunque no pudiera decirlo, que la gente la trataba como a una artista, y respetaba su obra. De hecho se vestía como tal. Se guapeaba con un atuendo friqui de sombreros y pañuelos superpuestos.

Yo he conocido a Judith gracias a que mi mujer me recomendó ver un documental que habían puesto por la dos. La directora del documental era una tal Lola Barrera, y el productor Julio Medem (al ver el nombre de Julio Medem pensé que no me iba a gustar), pero aún así lo vi. Desde el principio me cautivó porque rebosa ternura. Al final de esta entrada del blog, he colocado un vídeo de youtube que reproduce un poco de este film. 

Judith se basa en el mundo que le rodea, da vueltas en torno a las personas, a la actividad, y a los objetos que maneja. Los materiales que usa se convierten también en arte. En esta obra vemos como los carretes que contienen los hilos con que trabaja, también se integran en una obra. Forman parte de su expresividad porque conviven con la artista. Es lo mismo que sucede a los bailarines con sus zapatos, a los guitarristas con sus uñas, a los cocineros con sus cuchillos; que los aman y los respetan.

Al final del documental se ve una exposición de sus obras y de otros compañeros suyos de la escuela de arte, esto es lo que más me gusta, porque me ayuda a comprender su éxito.

Los encargados de la escuela son personas que están dentro de los circuitos y mecanismos de funcionamiento del mundo del arte. Ellos organizan las exposiciones, y presentan las obras de una manera indiscutible. 

Foto: Flickr Lic CC. de: Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art

Su escultura motiva al espectador a la curiosidad y el voyeurismo. Los espectadores se afanan metiendo la vista en los intersticios de los hilos para adivinar que contiene esa escultura, con qué se alimenta esa gran y hermosa maraña de cuerda e hilo. Yo no sé si Judith Scott era consciente de su interacción con el público, no lo creo. 

Sus obras se cotizan, lo que no quiere decir que ella se haya hecho rica. Ningún artista se hace rico, pues si una obra vale 10.000 €, ella no ve más de 2000€. No es paralelo el hecho de que una obra valga mucho dinero a que dicho artista gane mucho. Salvo raras excepciones, todos somos (me incluyo) unos tiesos. 

Lo que no he dicho hasta ahora es que era sordomuda y tenía síndrome Down. Que pasó 30 años en un centro recluida en el que nadie se dio cuenta de que era sorda y por eso no aprendía. Su hermana Joyce (gemela de ella), la rescató de allí a los 40 años de edad. Durante la grabación del documental, Judith murió. Pero no solo queda su obra...

Hay otros grandes artistas en esta escuela de Oackland, a mi en particular me gusta la obra de Dan Miller, un autista que traza líneas que se repiten una y otra vez, una sobre otra, en ellas intento adivinar textos. Lo he visto trabajar en el vídeo, es constante y bailón como Jackson Pollock; sus obras son hermosas aliteraciones.

El arte que hacen personas discapacitadas psiquicas, lo llaman Art Brut, que viene del término latino "bruto", a mi no me gusta que lo llamen así, esto es clasista.

 Yo ya lo sabía, pero después de todo esto, ¿no habría que pensar que el componente intelectual del Arte no es más que una vertiente? Lo digo para, a lo mejor, conseguir que algún integrista militante del Arte contemporáneo, se dé cuenta de que no hay Arte Contemporáneo, sino pobres artistas contemporáneos y ricos vendedores de arte. Aunque seguramente no conseguiré nada pues como dice el refrán: no está hecha la miel...

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Postdata: Me encanta trabajar la curiosidad de las personas, es una temática que he utilizado en un poema visual tridimensional que repito ya por tres veces con distinto contenido, pero el mismo principio. Las personas somos así, no podemos evitar mirar por el ojo de una cerradura, nos encanta saber. Aquí os presento mi obra:  "El secreto. La solución."

Es una obra que creo y destruyo cuando termina la exposición. Esta esta es la última versión. La presenté en Madrid, en mi exposición del Ateneo (2010), y con ligeras variantes en Arhuda dos Vinhos en Lisboa (2011). Los materiales son: lámpara, papel, collage, cristal y madera.

El texto que tiene escrito, resumidamente dice:  Contiene la solución a la crisis. Y lo que lleva dentro es de difícil acceso. Una vez que se accede, la solución es un balón de fútbol. Todo lo queremos arreglar con fútbol. El fútbol vuelve tontas a las personas, y a mi el primero. Es un placebo. En esta pieza juego con el voyeurismo que tenemos todos. No se puede remediar, queremos saber qué pasa. Es una provocación al espectador.

En estas dos imágenes se ven las ventanitas por la que los espectadores se asoman, y el texto que transparenta cuando la luz se enciende.

En estas dos imágenes se ven las tripas de la lámpara, con la pantalla de papel levantada, y en una vista cenital en la que se ve el balón de cristal.

Creativos e intérpretes. Lo que escucho cuando pinto.

Dale al Play, deja que suene y lee con la música de fondo.

He ido al teatro a ver el espectáculo de Miguel Poveda. No se puede cantar mejor. Es un espectáculo maravilloso. Esto me ha recordado....

Hace ya 15 o 16 años, mi amigo Manolito (Hidalgo) excelso guitarrista y escultor, me regaló la cinta de casette W. Era una cinta de casette grabada, con portada de fotopia en color y los nombres de los temas escritos por dentro con boli. Él sabía lo que me estaba dando.

Era un "déjà vu". 15 años antes me había pasado lo mismo con mi padre. Me dio una cinta de casette, también grabada, pero sin tanto primor: no tenía caja, solo ponía a lápiz, en la pasta oscura de la cinta, la palabra: Camarón.

Al darme mi viejo esta cinta, me dijo: ¡toma niño, que a mi esto no me gusta, suenan unos tambores...! Era "La leyenda del tiempo". Él también sabía lo que estaba haciendo, sabía que a mi me gustaría.

Desde que tuve consciencia de Camarón, hasta que sacó el "Potro de rabia y miel", los escuché todos, los disfruté hasta la saciedad. Entonces apareció el W en mi vida, y todavía no me hartado: Lorca, el pequeño reloj, el disco de la Alhambra y lo que hizo cuando se inauguró el Museo Picasso. Me ha llenado la vida, me ha hecho pensar. Me sé las canciones de memoria. Cuando falleció, lo que siento mucho, me di cuenta de que este hombre me había acompañado durante diez años, mucho tiempo. Muchas olas en el reloj del mar.

Tiene cuatro cualidades:

1. Es un modelo de artista creativo. La creatividad se manifiesta en la forma, no en los contenidos. Esto no le gusta al público que solo quiere, en general, algo que ya conozca. Sé que pasaba horas en su estudio buscando nuevos sonidos. Esta es la prueba; un artista busca en su propia existencia y tiene que desechar muchas cosas,aquello probablemente no le serviría para nada, pero un artista no puede dejarlo. Esta es la creatividad, es un modo de vivir.
2. Utiliza el lenguaje que mejor domina. Sin imitar a otros por aquello de las modas. Para colmo era andaluz y flamenco, y por tanto utiliza un lenguaje muy cercano a mi. Me llega. No tiene nada que ver con las modas. Yo no soy creativo, pero he decidido utilizar mi lenguaje, sin preocuparme de lo que digan los que se dejan llevar por modas, porque esto es lo auténtico.
3. Es un estudioso de lo anterior. En el disco del pequeño reloj, utiliza la música grabada de guitarristas antiguos, y canta encima, como hacen los Djs; pero su música no se pondrá en las discotecas.
4. Lorca. Tanto Camarón como Morente han sido unos comunicadores de la obra de Lorca.

Pintando pongo música, o la radio. Son muchas horas y me da tiempo de escucharlo todo. Me gusta todo, desde la música clásica hasta el rap, y sé que en cualquier código musical que se use, solo vale lo auténtico.

Del disco de Bebo y el Cigala, el bueno era Bebo (y el contrabajista). El Cigala tuvo suerte de encontrase allí. No me venga nadie con el royo de los Rollings, porque yo sé que la verdad está en los Beatles que cumplen las tres primeras, de las cuatro que le agradezco a Morente. Solo les faltó usar letras de Lorca para bordarlo.
Lo mismo pasa con la pintura, el cine, la literatura y las otras artes.

Poveda no crea nada, ni tampoco se rodea de creativos, por eso le gusta a todo el mundo. Esta es la diatriba del arte: tener éxito o ser un incomprendido.

Suelo terminar mis entradas del blog en las que hablo de arte, con una letrilla flamenca que venga a cuento. Esta vez, que no estoy hablando de artes plásticas voy a terminar con un cuadro muy flamenco (El jaleo de Sargent), que le gusta mucho a mi amiga Bea, y con una pregunta para haceros pensar en Lorca: ¿sabéis lo que es una gipaeta?.
Ahí lo llevas...

Si Julio Romero de Torres viviera...

Participó encabezando la manifestación contra el bloque de la Primera Guerra Mundial

Al cabo de los años, Franco lo utilizó como paradigma de los español en su España, que participó del bloque de la Segunda guerra Mundial. Pero Julio ya estaba muerto y no podía protestar.

Era un andaluz orgulloso de la cultura de su pueblo. Andaluz respetado como tal por todo el mundo. Se vestía con una capa y un sombrero cordobés, este era un disfraz que ponía en claro de donde era. Entonces nadie se vestía así, hacer esto era extravagante. Hoy día los andaluces renegamos de nuestra cultura y de nuestros artistas y los que van de extravagantes asisten a convenciones de Stark Treck.

En Málaga no han querido hacerle un homenaje porque Málaga y Córdoba compiten por ser designadas ciudades de la Cultura o algo así. Y los cordobeses tampoco lo hubiesen permitido (esto lo he escuchado yo en la radio de boca de un gran personaje de la cultura cordobesa) quizá pues que nadie le quite a ellos lo que es suyo. ¡Qué "jartura"!. Yo soy sevillano y quiero que le hagan un homenaje en Córdoba, otro en Sevilla, otro en Málaga otro en Filipinas y otro en Guatemala y en todos los demás sitios posibles.

Para los políticos que dirigen la cultura hay un formato para los artistas plásticos que comienza por: nunca vas a ganar dinero dedicándote a tu arte, pues eso está mal (por que es comercial), y termina por, no me seas andaluz que eso es de cateto. O sea que Julio Romero de Torres no encaja. ¿Quienes son los catetos?. ¡Así nos va!.

Julio Romero de Torres amaba más al Flamenco que a la Pintura. En una ocasión declaró “…Si a mí me hubiesen dado a escoger entre la gran personalidad de Leonardo de Vinci – por el que siento una admiración que lo reputo como el primer pintor de la historia – o la de Juan Breva no habría vacilado. Yo habría sido Juan Breva, es decir, el mejor cantaor que ha habido, …”

Cuando la envidia se vuelve impotencia es verde. Me encanta esta historia. Yo hice este dibujo que se titula la envidia. Lo expuse en Madrid y me lo compró una amiga de mucho arte. Julio Romero y Juan Breva. Yo no he escuchado cantar a Juan Breva pero mi abuela me hablaba de él y de Juan Talega, y me gustaría haberlos visto y escuhado, arriba tenéis una foto de Juan Breva.

Tengo pasión por la obra de Julio Romero de Torres. Las modelos le creaban problemas, algunas de ellas no cumplían con su trabajo o incluso no aparecían como la famosa Ana López "Carasucia", que aparece en varios cuadros, una florista de cabaret a la que más de una vez tuvo que ir a buscar a alguna venta. Esto es lo que cuenta este dibujo. Por la forma he procurado que sea un buen dibujo de líneas con tinta, sin error, sin correcciones y colores suaves, fuertes y bien combinados.

"Hace unos años en Córdoba, tuve por modelo a una muchachita bastante bonita y preciosa de cuerpo, muy morena y de mirada muy expresiva. Era una jueguista consumada, y no puede Vd formarse la idea de lo que hube de padecer hasta conseguir finalizar la tela. Que unos señoritos se la habían llevado de farra por unos días a una quinta de Lucena, pues allí que te iba yo a traerme por una oreja a la modelo "Carasucia". ¡Una desesperación!..."

Relatado por Julio Romero de Torres en sus vivencias con La Musa Gitana.

1907 carmen con clavel rojo 44 x 56 cm.

Aquí la tenéis en uno de los cuadros para los que posó.

Nuestra Señora de Andalucía. También de 1907. 169 x 200 cm. Es un cuadro anticlerical que coloca a una muchacha vestida de blanco (como una Virgen) mientras otras dos la visten y la adoran

Mi dibujo es una versión libre del cuadro del mismo título con el que Julio Romero de Torres escandalizó a los españoles allá por 1907. Es un cuadro anticlerical. He colocado mi cuadro bajo el del maestro. Las casitas del monopoli representan la construcción y lo que se ha hecho en estos años en nuestra tierra (los hoteles de la costa), Julio Romero de Torres está asustado y Machaquito se ha convertido en una botella de anís cuya etiqueta dice una verdad. El fondo de cementerio también

A ver si Andalucía aprende algo de Julio Romero de Torres.

Una máquina de pintar.

Una máquina debe servir para algo.

Sólo un artista puede crear máquinas inútiles. Así es como Bruno Munari llama a sus esculturas móviles "Máquinas inútil" .

Un móvil es una máquina que se acciona por la acción humana o del aire, pero no produce nada tangible, solo placer.

Sigfrido Martín Begué pintó una serie de máquinas inventadas que se abre con la máquina para pintar, y continua con otras especializadas como la máquina de Cezanne, la Máquina de Plein Air, Máquina de trucolor, Máquina eléctrica, Máquina Metafísica, Máquina de Bodegones, Máquina de New Age, etcétera. A i me gusta mucho la obra de este pintor.

"Máquina de pintura sisnestésica". 116x81 1990.

Estando en Madrid acudí a una exposición de su obra en el Centro Condeduque, y desde entonces soy un fan. Los otros pintores de la movida madrileña no me interesan para nada pero Sigfrido Martín Begué si. No tiene página web que yo sepa, y su obra no es muy popular. A mí me gusta porque su obra está muy trabajada, y sin acercarse al realismo pinta con verdadera delicadeza, es un René Magritte de nuestros días.

"Máquina de bodegones". 116x116 1988.

Esto de pintar máquinas no lo ha inventado Sigfrido, yo le doy el mérito a Marcel Duchamp con sus "Máquina soltera" y su "Molino de chocolate" .

Yo también he hecho mis pinitos con mi "Máquina de hacer meses de marzo".

Forma parte de mi cuadro "El gran reloj" que pinté hace un par de años y del que me siento orgulloso. Si queréis verlo entero entrar aquí

http://www.juancharro.net/OTROCODIGO04001.html

Para los que estáis aprendiendo es un buen ejercicio inventarse una máquina. A mis alumnos les hago inventarse máquinas para recoger manzanas o recoger patatas, y las tienen que dibujar. Es un ejercicio de creatividad fantástico. Lo he sacado de algún libro de mi gurú Edward de Bono. Este es un dibujo de una máquina de recolectar patatas hecha por un alumno.

Es una máquina estupenda que saca las patatas con la tierra y las echa sobre un tamiz que deja caer la tierra, solo le faltan unas ruedas y podría funcionar.

Nos vemos.